2018记录

土豆儿，其实你就是一只鸵鸟。把自己埋在沙子里的鸵鸟。 
鸵鸟又没什么不好。我就很想当一只鸵鸟，只专心有价值的目标不理会一切。
鸵鸟型人格，4444~~~

《我心深处》
关于作者
这本访谈录的访谈者史提格·比约克曼，是作家、导演及影评人。在这本书之前，史提格已采访了两位世界级大导演伯格曼和冯提尔，并写出两本访谈录：《伯格曼论伯格曼》和《冯提尔论冯提尔》。《我心深处》这本书的原名直译过来，应该是《伍迪·艾伦论伍迪·艾伦》，可以被视为史提格导演访谈录的系列之三。被访谈者伍迪·艾伦，是段子手、喜剧演员、作家、爵士乐表演者，当然他最为众人所熟知的身份是美国著名导演。史提格与伍迪保持着旗鼓相当的见解与深度，访谈按照时间顺序，围绕着伍迪从影以来的35部电影逐一展开，并延伸至艺术、自然、哲学、中产阶级等多个话题。

关于本书
在大众的眼中，伍迪特立独行、神经质、忧郁且固执。在作者看来，伍迪是一名自律的创作者和严肃的艺术家。这本书将带我们认识一个真实的伍迪，以及伍迪对电影、城市、艺术、自然、哲学、中产阶级等多维度的观点与思考。

核心内容
这本持续了十年的访谈录按照时间线索，回顾了伍迪·艾伦从影至2002年几乎每部电影的创作心路。更难能可贵的是，通过访谈者的深度发掘，我们看到这位名导演对电影、城市、艺术、自然、哲学、中产阶级等多个话题的见解，并由此看到一个段子手、喜剧天才背后的悲观与神经质；一个浪漫导演天马行空的创作背后的自律、严谨甚至乏味的创作状态。

一、伍迪·艾伦的早年创作生涯及日常生活
伍迪·艾伦生于纽约布鲁克林区，从小就是一个电影迷。十几岁时，伍迪受以伯格曼为代表的欧洲严肃导演启蒙，之后通过给电视台写段子，以喜剧演员的身份出道，进而开始创作电影剧本并走上导演之路。
伍迪从影40年来，维持着每年写一个剧本的高产，每天坚持写作、吹单簧管及锻炼，过得自律而刻板。他维持高产的秘诀就是像鸵鸟一样，持续而不被打扰地工作。

二、伍迪·艾伦职业生涯的两个阶段
伍迪早期的电影是纯粹的喜剧电影，通篇靠笑点支撑。《安妮·霍尔》是伍迪职业生涯的转折点。从这部电影开始，伍迪对拍电影真正感到游刃有余，并初步展现出自己内心中悲观严肃的一面，开始探讨喜剧之外的严肃问题。
《安妮·霍尔》之后，伍迪接连拍摄了几部严肃电影，比如《星辰往事》《罪与错》《情怀九月天》等，彻头彻尾地脱离了喜剧风格，开始探讨存在主义等哲学命题。在电影中，伍迪表达了自己对艺术的看法，认为艺术只是知识分子的一种娱乐方式。但是，艺术从来不是艺术家的救赎。同时，伍迪也在电影中对自然、死亡等多个话题展开探讨。
在伍迪的电影生涯当中，商业上成功的电影往往是自己眼中糟糕透顶的作品。伍迪对于市场始终保持悲观，他认为最好的作品和商业上成功的作品毫无关系。有时，取得巨大成功的商业作品还会让伍迪觉得羞耻。可以说，是欧洲市场救了伍迪，让他在商业成功和艺术追求之间达到了平衡。在美国赔惨了的电影在欧洲都挣到了钱，或者至少把损失降到了最低，这使得伍迪不用为没人投资发愁，可以持续进行严肃创作。

三、伍迪电影中突出的个人风格：对城市及中产阶级的展现
提到伍迪·艾伦的电影，影迷们都会想到一个很有个人风格的画面，那就是来自中产阶级的主角们在城市长长的街道上漫步，滔滔不绝地聊着各式都市感十足的话题。这个明显的个人烙印和伍迪对城市的重度依赖密不可分。伍迪非常喜欢纽约，他很喜欢出门时被整个城市围绕，喜欢走在人行道上步行去商店。
在《安妮·霍尔》这部电影的结尾，有一段30秒左右的空旷街景，被人们称为经典。这样的空镜头往往是电影中的重要时刻，直觉告诉导演，应该让主人公消失在街头的喧嚣人流中，这种结尾不仅讨喜，更加强了电影的情绪。
另一部更有代表性的都市作品是《曼哈顿》。在这部电影当中，伍迪颠覆了传统印象中五光十色的纽约，用宽银幕黑白电影这种方式来呈现这个城市。所有的构图都精心设计，竭尽全力地呈现一个美丽的纽约。
作为城市的主角，中产阶级是伍迪电影中的另一个主题。人们常说伍迪电影中有一种对中产阶级的讽刺，但在伍迪看来，是中产阶级身上的某些东西推动着这个世界的发展。

1. 他说他一直活得像一只鸵鸟，这种方式固然有它的缺点，但也有好处，对于作家尤其是这样。只要能够不断地产出，不被任何的评论所影响，他就觉得很快乐。
2. 拍摄喜剧还有一个黄金法则，那就是速度。无论一场戏进行得多快，在喜剧中总是可以更快。
3. 艺术只是知识分子的一种娱乐方式。如果读者或者观众足够敏感，就可以从伟大的艺术家的作品当中获得愉悦感。但是，艺术从来不是艺术家的救赎，艺术没有办法让莎士比亚多活一秒。

《丑的历史》
关于作者
翁贝托·艾柯，意大利著名美学家、符号语言学家、哲学家、历史学家和文学评论家，被誉为“当代达·芬奇”。他在欧洲已成为知识和教养的象征，人们都以书架上有一本艾柯的书为荣。他那种“对花言巧语的厌恶、从不过激、从不做夸大其词的断言”的治学风格，潜移默化地影响着一代又一代读者。

关于本书
本书以丰富的图文资料展示了丑的种种形态，还原了人类对丑的审美观念史，并将丑从美的附庸地位中拯救出来，梳理出其自成体系的发展脉络，第一次给予“丑”独立而自尊的地位，也借此提醒我们反思人性的复杂。

核心内容
本书将丑分为四种类型：第一种是丑本身，比如呕吐物和尸体；第二种是形式的丑，比如不合比例的五官；第三种是艺术对丑的刻画，比如画家笔下的尸体；第四种就是情境的丑，比如阴森的楼道，或者忽明忽暗的房间。可见丑不能简单概括为美的反面，它存在于视觉、心理和伦理等各个方面，也会化身为恐怖、阴森、邪恶和下流。
丑是审美中非常重要的一部分，也是长期被忽视和低估的一部分。丑不仅不是美的附庸，还自成体系，有着更复杂、更丰富的规律。比如价值观解体的时代会出现媚俗，而宗教气氛浓厚的希腊世界与基督教世界则将丑视为和谐宇宙的一部分。到了艺术昌明之时，包括丑在内的一切事物都被重新拿来审视，当创造美的能力足够充沛的时候，美丽的刻画可以令丑陋重生。所以说不认识丑，就难以全面认识我们的文明。因为丑不只是独立于人的客观存在，还是我们内心罪恶的一种反映。

一、关于丑的几次胜利
一直以来被我们忽视和低估的丑，其实从希腊时期就在艺术品中占据了一席之地。到了基督教世界，“宇宙至美论”承认了丑在宇宙秩序中的作用，经院哲学就将美与丑比作光影的明暗对比。近代生物科学昌明之后，人们在面对丑陋之物时，好奇心代替了恐惧，科学代替了宗教的恐吓。文艺复兴艺术及巴洛克艺术则将丑作为刻画的对象，表达讽刺与同情，象征了某种古典精神的消亡。工业革命开始之后，令人作呕的事物成为艺术家手中的利剑，前卫运动则将丑作为美的典范。丑的胜利到此为止，彻底模糊了与美之间的界限。
经过这几次胜利，人们逐渐认识到丑不是美的附庸，而是自成体系的。人们对丑的态度也从原来的深恶痛绝，变成试着欣赏它的温柔甚至狂热地推崇丑。所以这几次“丑”的胜利意义深远。不了解这几次胜利，就不能说真正地了解丑，甚至也错过了有关美的内容。
美与丑相反相成的关系表现为，在寻找美的漫长过程中，人们迎头却碰上了丑：或者在表达美的过程中，不自觉地借用了丑的外形；或者沉浸在丑当中时，却发现这是美的所在；还或者发现神龛中所供奉的美一点也不美，那亦正亦邪的形象，竟然是自己的影子。这种逐步意识到丑之价值的过程，是美学理论史不断进步的过程，也是人们从古典世界进入现代世界，甚至后现代世界的过程。或者可以说，这是我们人类不断自我认识的过程。

二、关于女人的丑
女人的丑和女人的美一样令人印象深刻，并且是丑的形态中不容忽视的一种。如果你翻开《美的历史》这本书，会发现某些女性形象似乎是专门为美而生的。但这并不表示女人的形象只与美丽有关，恰恰相反，正是因为女人与“美丽”这个词语之间的某些联系，人们更乐见其丑。一个赞美少女之美的人，很可能转身就奚落丑女之丑。
作者翁贝托指出，女人的丑大概分为三种：外表的丑，比如用毒蛇做头发的美杜莎；不道德的丑，比如妓女和荡妇；衰老的丑，比如老妇人。不论女人的丑在艺术中是怎样表达的，都离不开这三种形式，而外表过丑或者过美都会被认为象征着灵魂的邪恶。古典世界艺术品所刻画的女人之丑，很大程度上来源于对女性根深蒂固的仇恨，最典型的例子就是中世纪著名的“猎杀女巫事件”。但文艺复兴之后，女人的缺陷又成为感官刺激的来源，或情绪表达的载体，濒死的美女或者丑陋的老女人会成为诗歌中歌颂的对象，颓废主义则宣扬丑的放纵，在艺术品中歌颂死神般的女神。
托名为“丑女”的对女性根深蒂固的仇恨，背后反映了人性的黑暗和丑陋，而现代艺术中女性的皱纹与病痛，则作为载体表达了某种激烈或黯然神伤的情绪。这种情绪只能来源于丑的刺激，而非美的抚慰，所以现代艺术更偏爱丑陋的女人。

三、媚俗与坎普
媚俗产生于大众文化，又反过来丰富了大众文化的多样性，与我们的生活最为息息相关。本书作者给出了媚俗的定义：媚俗不是以产生有刺激或者吸引力的效果为目的，也不是重复已出现过的风格元素，媚俗是对自身产生效果的功能自说自话，卖弄有名无实的体验，并且毫无保留地把自己当成艺术品出卖。作者指出，媚俗有种虚妄的色彩，这种虚妄背后是伦理的罪恶。媚俗之人不能只用审美标准来衡量，因为他已经是一个有心造恶的罪犯。一个媚俗之人，追求的不是美，而是美的效果，这是美学上的罪恶。而且媚俗总在价值解体的历史时期格外繁荣，而这样的时期，是以罪恶感和焦虑感为基础的。
坎普与媚俗不同，但坎普在一定程度上拯救了媚俗，因为某些被视为坎普的艺术作品，的确可以算媚俗之作。坎普艺术消解了部分媚俗之丑，则出于新派的纨绔子弟对粗俗事物的良好品味与喜剧态度。这种态度源于精英文化对庸俗文化的拯救，精英文化开始欣赏某一类的丑，甚至用丑来代替美的位置。自此，美与丑不再像古典时代那么非黑即白，因为你很难再说美就是好的，丑就是坏的。实际上，坎普爱好者不是粗俗的爱好者，他们只是更加包容，因为他们只想去品味而不是去批判，所以坎普也可以被称为一种“温柔的情感”。虽然欣赏媚俗之作，并且热爱粗俗，但坎普仍然认可良好的趣味，只不过相比传统审美，它认可了对劣等趣味的良好趣味。比如夸张的不规则的首饰，印着粗俗俚语的衬衫，专门用来模仿伤口的文身贴，恶搞的微信头像等等，这些东西在我们父母眼中不伦不类，但不妨碍我们自己以欣赏和趣味的眼光看待它们。简而言之，媚俗无疑是丑的，因为它反映了所处时代罪恶的骚动。但坎普解构了一切，它以纨绔子弟的喜剧精神，表达了一种可以容纳粗俗的感受力。

1.正是因为女人与“美丽”这个词语之间的某些联系，人们更乐见其丑。一个赞美少女之美的人，很可能转身就奚落丑女之丑。
2.老派纨绔子弟的乐趣在拉丁诗歌、稀有酒类和天鹅绒上衣上，但新派的纨绔子弟，也就是坎普的爱好者，他们的乐趣在那些最通俗、最常见的大众乐趣上。老派的纨绔子弟面对粗俗时，厌恶地皱着眉头，用洒了香水的手绢捂住鼻子，而新派的纨绔子弟热爱粗俗，他们努力去闻那些恶臭，并为自己坚强的神经洋洋得意。
3.这一次，是巴洛克之美超越了善恶，打破了客观的模型，通过丑陋与死亡来表达美与生命力。人们不再对丑深恶痛绝，而是发现了它的温柔。
4.媚俗之人不能只用审美标准来衡量，因为他已经是一个有心造恶的罪犯。一个媚俗之人，追求的不是美，而是美的效果，这是美学上的罪恶。而且媚俗总在价值解体的历史时期格外繁荣，而这样的时期，是以罪恶感和焦虑感为基础的。如此看来，媚俗还仅仅是“不够艺术”这么简单吗？
5.梵高在创作《星空》这幅画的时候，完全处在一种自我表达的状态中，他并没有去考虑画廊老板是否会喜欢这种颜色，他只考虑这种配色是否符合他心中的艺术理想。而在梵高出名之后，模仿他画作来挣钱的人，就是媚俗。

《把时间当作朋友》李笑来

辨析概念是自我成长的基础。
新知，纠错，重视这三种方式就是我们打磨概念最主要的工具。
新知，就是学一个新概念。当我们脑子里没有一个概念的时候，就倾向于不去想这个事情。
纠错，就是改掉对一个概念的错误理解
重视，把一个平时耳熟能详，已经平常到被你忽略的概念上升到一个新高度。

三个容易被我们忽视或误解的概念：
第一个概念：时间管理
时间管理这个概念本身就是个伪命题。时间是不可能被管理的，我们唯一能管理的就只能是自己。
如何才能运用好积累的力量？
首先要认清一个事实，速成没有可能。人们好像都特别急于看到结果，一方面的原因是我们天性追求即时满足，另一个原因是，现在的互联网世界把人们的生活都透明化了，没有比较就没有伤害。
怎么跳出这个怪圈呢？
认清自己的现状，接受自己的现状，一点一点的磨练自己，积累技能。
用“换”可以“实现”速成。每当想到“我想要什么”的时候，马上提醒自己，我到底有什么，我愿意花多少成本来换，你的成本包括金钱，时间，精力，体力，人脉，名气，如果能直接兑换当然最好，如果不能直接兑换，那就靠积累的力量一点一点的攒资源。
把时间当做朋友的心法就是接受现实，然后靠积累不断的让自己成长。

第二个概念：自我证明
如果一个人本身就很优秀，是不用去证明的，别人自然能看到。
为什么总是得不到别人的认可的2个原因:
首先很可能的一个原因是自认为很优秀。
其次，一个人一方面强，肯定其他方面就弱。

第三个概念：灵感
灵感就是时间积累到一定程度的必然产物。

成功本质上都是一样的，先花相当的时间和精力锁定一个方向或是目标，确定它实现的可行性之后，运用心智的力量，在这个方向上投入更多的时间，再投入比更多再多一点的时间，把时间当做朋友，一路前行，当时间的陪伴足够久的时候，不知里面过程的人可能会说那是运气，那是天命，而明白积累的过程是不可避免的人知道，所有的回报都是必然。
积累是解决成长问题的良药。不管你积累钱财、人脉、技能还是其他的什么东西，从接受现实开始，用沉着冷静的心态一点一点耐心地推进，不骄不躁，不紧不慢，不慌不急，用最稳的方式最快的成长，时间就是你的朋友。

《颜色的故事》
关于作者
维多利亚·芬利，是一名英国记者。从九十年代初期就一直在香港工作，常年担任《南华早报》的艺术编辑。偏爱色彩主题，游历了几十个国家，收集了关于色彩主题的大量资料。作品被翻译为多种语言并在世界范围内多次出版。

关于本书
《颜色的故事》通过作者对色彩的文献研究和实地考察，讲述了关于各种颜色的趣闻轶事，探索了颜色的历史和文化价值。这本书在博学的同时兼顾趣味，既容纳了丰富的知识，又毫不枯燥。

核心内容
本书的核心内容，是追寻关于各种色彩的来龙去脉，同时思考色彩在历史和文化上的地位和意义。作者足迹遍布世界各地，用亲身经历来讲述颜色发展历程当中的诸多小故事，并力图在轻松地将知识呈现的同时，也加入关于文化价值的思考。

一、获取颜色的故事
1. 白色
白色可以从多种矿物质，海洋生物或者植物中提取。最危险的，是一种以铅为原料制作的白色，叫做铅白。铅白很适合做成涂料、颜料、化妆品或者白色包装添加剂，但具有毒性。
其中最危险的应用是化妆品。几千年来，铅白化妆品一直是爱美人士的选择。十九世纪末的时候，有一种用铅白制成的粉底，叫做“年轻之花”。敷在脸上，皮肤不仅变白，还会有些透明闪亮的质感，常年使用会让身体和神态变的娇弱，受到了各个年龄段女性的推崇。后来一个美国医生列举了对患者的病例研究，确认这种“年轻之花”会导致使用者严重中毒。铅白的毒性引起越来越广泛的关注，各国政府因此开始限制铅白的使用范围。现在铅白已经淡出了人们的视线，只在塑料、陶瓷等工业领域使用，并受到严格的监管。
2. 绿色
从波斯传入欧洲一种用铜来制作绿色的方法，得到的绿色称为铜绿。铜绿不够鲜艳，所以欧洲的化学家们试着添加其他元素获得更美的绿色。1775年，瑞典化学家谢勒发明在铜中添加砷，得到非常美的铜砷绿。一经发明就大受欢迎。砷经氧化后产生三氧化二砷，就是常说的砒霜。因此铜砷绿做壁纸好比是在墙上涂砒霜，使装修工人、家养宠物、常年室内生活的病人慢性中毒。考古学者发现，在囚禁拿破仑的房间里，也贴着含有砷的壁纸，成为解释拿破仑晚年虚弱不堪的原因之一。
3. 固色方法
颜料通常会添加化学合成的有机胺，来增加颜色的附着力和持久度。古代科学技术水平有限，人们通常是用含有有机胺的尿液来达到固色效果。英国在第一次工业革命后加速了纺织业和印染业的发展。十八世纪的时候，其发展程度之高，使伦敦已经无法在尿液方面自给自足，不得不依赖于从纽卡斯尔运送。如今纽卡斯尔最著名的是当地的淡啤酒和英超球队纽卡斯尔联队。可在当年，纽卡斯尔还肩负着为整个英国撒尿的重要使命。纽卡斯尔作为港口城市，交通十分便利，所以市民的尿液被收集起来，从这里运向全国，为全英国的印染业提供添加剂。

二、关于颜色的生意
1. 黑色的生意——石墨生意
铅笔芯的主要材料石墨，在十七和十八世纪是稀缺的战略资源。英国为了持续垄断石墨，对石墨矿的管理堪比军事基地。石墨的高价被两个法国人打破。第一个叫康德，他创新了铅笔芯的制造方法，把石墨磨成粉末，掺入黏土。第二个叫做皮埃尔，他在西伯利亚发现了大型的石墨矿。这个矿的石墨被称为“中国石墨”，质量上乘。美国的铅笔商人为了向顾客宣传他们用的是“中国石墨”，还特地给铅笔穿上明黄色的外衣，代表中国的“龙袍”。
2. 红色的生意——胭脂虫
在人工合成色素发明之前，胭脂红的来源是一种叫胭脂虫的小虫子。胭脂虫寄生在仙人掌上，身体是白色，血液是红色。工人们会收集胭脂虫，然后搅拌碾碎加工提炼出胭脂红。在大航海时代，西班牙殖民者在南美发现并接管了当地的胭脂虫种植园，制成胭脂红颜料，成就了西班牙有史以来最大的颜料生意。这种原料制作的秘密，被一个法国人拆穿后，英国和法国就开始在各自的殖民地里养殖胭脂虫、生产胭脂红，打破了西班牙的垄断。以胭脂虫为原料的天然胭脂红，对人体无害。到现在仍然在食品、药品、化妆品领域广泛使用。
3. 黄色的生意——藏红花
藏红花可以做黄色颜料，也是一种贵重的香料。克什米尔是藏红花的发源地，但常年战乱，产量也一直不高。最先开始经营藏红花的是英国人和西班牙人。但现在，欧洲已经不再是藏红花的主要产区。世界上最好的藏红花在伊朗，产量大概是每年170吨。如今的藏红花已经不再作为染料，而是仅仅作为调味品和保健品。

三、中西文化在颜色审美上的差异
1. 绿色
中国审美体系里用玉来比喻君子的德行和品格，更受欢迎的是内敛温润类似于玉石的绿色。其代表是青瓷。青瓷中的上品是“冰裂纹”瓷器。这种瓷器有冰裂开一样的纹路，具有独特美感。
2. 蓝色
青花瓷是中国运用蓝色的代表。青花瓷釉彩主要使用中亚地区蓝色颜料。因为不同年代的贸易政策不同，青花瓷釉彩的颜色和品质也不同。可以根据这一点推断青花瓷器烧制的年代。以明朝为例，宣德年间、正德和嘉靖年间贸易频繁，青花瓷釉彩浓重艳丽，蓝中泛紫。成化和万历年间，由于朝廷限制和中亚各国的贸易往来，釉彩品质下降。成化年间颜色变成浅蓝，万历后期，青花瓷变成近乎蓝灰色。

《日本漫画60年》
关于作者
作者保罗·格拉维特是一个英国人，他致力于漫画的出版和推广已经三十多年了。他是一个狂热的漫画迷，这本书里的很多漫画，都是作者自己的收藏，包括很多日本著名漫画杂志的罕见的创刊号。很有意思的一点是，在这本书的扉页上，保罗写了这样一句话：谨以此书献给我的父母，他们从未丢弃我的漫画收藏。

关于本书
《日本漫画60年》这本书梳理了从1945年到2004年之间日本漫画的发展轨迹，作者从日本战后的社会环境和国民心理入手，分析了漫画在日本兴起的原因。如果你对漫画感兴趣，或者曾经被漫画打动过，想要了解日本漫画的发展和它背后的社会机制，这是一本很好的入门书。

核心内容
日本漫画的源起是西方卡通画、连环画和讽刺漫画与日本传统文化的碰撞与融合。
手冢治虫改变了日本漫画，如果没有他，可能日本漫画也不会如此兴盛。他的成就在于将电影的叙述方式带入了漫画的创作，让读者觉得“新鲜得令人震撼”。
少年漫画是漫画市场上销量最好的漫画，它的兴起与二战后美国对日本武士道的禁止、麦克阿瑟对竞技体育的放开有关。
少女漫画出现得更晚一些。在20世纪70年代之前，少女漫画都是由男漫画家主导，价值观比较传统的作品。之后涌现的女性漫画家，大胆打破了男性的逻辑与线性思维，在创作手法以及思想上，都有极大的突破，这才真正让少女漫画成为另一个主流的市场类别。
日本漫画的出口之路并不是一开始就非常顺畅，因为西方国家读者的阅读惯与日本读者的阅读惯不同，而亚洲地区又盗版猖獗。今天，日本漫画之所以能够成为全世界最风靡的漫画类别之一，是因为在日本漫画的体制下，角色更容易与读者形成强烈的感情羁绊，而且画风讨人喜欢。而二十世纪八九十年代亚洲地区大量的盗版物，也为日本漫画的人气打下了基础。

一、大师级漫画家手冢治虫的出现如何改变日本漫画进程
手冢治虫的产量如同超人，他一生之中完成了600部漫画、15万页的作品以及60部动画的创作，而他最大的贡献是开创了充满动感的漫画的叙述性手法。
那么，所谓充满动感的叙述性的漫画到底是什么呢？一句话简单概括，就是仅仅通过静态的画面，你就能看出故事、动感和人物关系，就像看电影一样。手冢采用的是类似用摄像机拍电影的手法，在一格接一格的画面中模仿摄像机的移动，并且会变换每一格画面的视角。比如在漫画中，有时候人物会突然放大，几乎要跳出画格，就像是摄像机推进特写的感觉。而效果线、汗珠等元素在漫画里的出现，也增强了读者对漫画的感受力。
简单来说，讲一个好故事，以及用电影的技巧讲出生动的故事，这两个理念的产生和实践是手冢治虫为日本漫画进程做出的巨大贡献。

二、少年漫画和少女漫画的发展与繁荣
少年漫画是日本漫画市场上销量最好的漫画，它的诞生和兴盛与当时日本的社会背景息息相关。二战之后，日本处于美国的管治之下，为了打击鼓动日本开战的言行和武士道精神，所有与武士相关的连环画都被禁止。不仅如此，所有的竞技体育运动题材也都被连带禁止了。直到1950年，麦克阿瑟才解除了这个禁令，他觉得至少可以让日本人回到运动场中，重新树立这个战败民族的信心。
每周一期的漫画周刊迅速改变了读者的阅读惯，在此之前他们都只能通过月刊去阅读漫画。但收音机和电视机的出现，让杂志社意识到一个月的周期对于孩子们来说实在太长了，这才有了周刊的尝试。
作为日本漫画的另外半壁江山，少女漫画也有自己的发展路径和价值观。在20世纪60年代以前，少女漫画的主要创作者都是男性。由于男权社会的熏陶，男性漫画家们普遍遵循着最传统的价值观，在故事情节中只会倡导女性专注于结婚、家庭和为母之道。
从20世纪70年代开始，女性漫画家涌现了出来，她们创造了真正的、属于女性自己的少女漫画。女性漫画家的出现，使得漫画家这个群体也开始探索性别界限的突破，以寻求女性地位的认同。在这样的背景下，少女漫画并不是像很多人的刻板印象一样只描写浪漫的爱情故事，它们也有自己倡导的价值观。

三、日本漫画艰难的出口进程和风靡世界的原因
与我们想象的并不一样，日本漫画的出口之路并不是一帆风顺的。在长达几十年的时间里，日本漫画输出到西方非常困难。排外政策和贸易保护是一方面，另一方面是日本漫画作品通常长得可怕，并且不同国家之间的阅读惯不一样，这意味着出版社需要重新排版，适应国外读者从左到右的阅读惯。
日本漫画的出口在亚洲地区也并不乐观，事实上我们小时候看到的绝大多数作品都是盗版出版物。一直以来，日本的出版社并没有特别积极的意愿去推动海外市场，
那为什么日本漫画还能够跨越国别风靡世界呢？首先日本战后生育高峰的读者成为主流人群之后，为日本漫画的生存提供了丰厚的土壤；其次，日本漫画作品往往只由作者本人创作，而且创作周期长达几十年。在漫画家创作同一部漫画的过程中，他们也与读者有更多的互动和感情，使得漫画里的人物与读者产生强烈的羁绊。而亚洲地区盗版的猖獗也一定程度上使日本漫画风靡，因为在美国漫画进入亚洲市场之前，这些地区的小朋友在审美和情感上已经被日本漫画培养了起来。

简单来说，讲一个好故事，以及用电影的技巧讲出生动的故事，这两个理念的产生和实践是手冢治虫为日本漫画进程做出的巨大贡献。

友情、努力和胜利，这三个词曾经深深地打动过日本少年漫画的读者，不分国别。这是日本著名漫画周刊《少年Jump》提出并坚持的三个价值观，也正是因为这样的价值观，《少年Jump》及其所代表的日本少年漫画，才得以繁荣至今。

少年漫画的价值观并没有鼓励他们逃避成年人的责任，而是给予了成年人更加积极向上的生活动力。同时，这也是漫画为战后重建、从萧条走向经济复兴的日本带去的动力。

周末互动丨什么是功能游戏
你好，欢迎来到《商业经典案例课》。我是张潇雨。
到今天，为期三周的“电子游戏简史”特别专题终于结束了，我们的春节也正式过完了。希望大家在这个专题里不仅收获了欢乐，也学到了一些东西。
在写作这个专题的过程中，我有一个很深的感触：作为人我们难免会有很多偏见。
比如虽然我自己也打游戏，但在潜意识里我一直觉得游戏不是一个特别高级的东西，比其他艺术比如电影、音乐、文学都要低一等，甚至还有让人玩物丧志的危险。而游戏行业也没什么意思，反正大家都是做东西为了骗玩家钱。以一种麻醉大众的方式给人提供快乐。
但在我认真地读了很多东西，写了这三周将近5万字的专题之后，我对游戏的创作者和整个行业都有了新的认识，而且产生了一种尊敬。
我觉得这就是知识带给我们的东西——它可以消除偏见，带领我们领会一个东西真正美妙的地方。
所以我鼓励大家，在对任何一个东西、一个人、一件事形成某种观点之前，都先要努力地去了解它，掌握足够多的信息，这样你的观点和看法才是公道的，不偏颇的。否则的话，一直持有偏见最终害到的只是自己。
在这个系列专题的最后，我们来看一组最新出炉的新闻。这个新闻也算是对我们整个游戏专题内容的映照和延伸了，大家可以仔细品味品味。
2018年2月24日，腾讯正式对外宣布，将从今年开始对功能游戏进行全面布局，进一步探索与发掘游戏的正向社会价值。然后，腾讯正式对外公布了首批功能游戏产品。
功能游戏，具体指的是以解决现实社会和行业问题为主要目的的游戏品类，与传统娱乐型的游戏产品有所区分。
腾讯关注功能游戏由来已久。去年，腾讯研究院发布了关于功能游戏的专项研究报告——《跨界发现游戏力》；同时，腾讯游戏在去年组建了专业的功能游戏团队，并于今年年初完成了首批功能游戏产品的筹备。

腾讯本次公布的首批功能游戏包括《榫卯》《折扇》《纸境奇缘》《欧氏几何》，以及一款以重新演绎中国北方少数民族传统文化为背景的游戏。这5款产品，涉及传统文化、理工锻炼、科学普及三大领域，其中既有自主研发的产品，也有代理发行的来自国内外团队的优秀功能游戏。
1. 《榫卯》
《榫卯》是由国内独立团队 tagDesign开发的一款以介绍中国传统工艺榫卯为主题的科普产品，主要通过结构、知识两大块给用户介绍榫卯结构的整体特点以及形成历史，另外还会介绍目前国内尚在进行榫卯相关设计的工坊组织。
游戏主要通过滑屏和点击进行操作，包含超过30种不同结构的榫卯，游戏介绍了每一款榫卯的原理、历史和制作工艺，同时，用户可以通过精细的3D模型对榫卯进行360°的观赏和拆分。
2. 《折扇》
《折扇》是tag Design开发的另一款介绍中国传统文艺的科普产品，它以中国折扇传统文艺为题材，游戏内包含折扇欣赏、形制、工艺、历史等方面，给用户了解到折扇的整个制作、素材以及相关历史。并且通过交互+轻解谜的推图小游戏形式给用户模拟体验折扇的制作过程。
游戏主要通过滑屏和点击进行操作，通过精细的3D模型，拆分折扇结构，除了对折扇进行全方位的欣赏外，还加入了轻解谜的玩法，用户可以动手从选竹开始参与到制作成扇的16个步骤。
3. 《纸境奇缘》
《纸境奇缘》是由美国团队FishingCactus开发的一款锻炼用户打字能力的功能游戏产品。它是以拼字为基础，在2.5D的地图中进行解谜冒险的故事导向单机游戏。
玩家在游戏中扮演一个骑着狐狸的小女孩，在折纸的世界中进行冒险，游戏内有雪地、高山、森林等不同的关卡场景，玩家需要通过“打字”这一特殊方法与怪物进行战斗或解谜，如打字使用技能、触发机关等，游戏包括中文、英文、法文等8种不同语言。
4. 《欧氏几何》
《欧氏几何》更有意思，这是由俄罗斯团队开发的一款使用尺规作图，进行几何解谜的数学游戏。在游戏里，玩家需要在平面上，通过合理使用作图工具，作出垂线、切线、角平分线、圆等几何图形，在严谨的几何逻辑中，完成关卡挑战；与此同时，玩家还可以不断优化设计，在尽可能少的步数内得到最优雅简洁的解决方案。让玩家在领会几何之美的同时，也能提升其逻辑思维能力。
此外，今年年初，腾讯与乐高集团达成战略合作，确定将通过优势互补，推出适合儿童的、积极健康、充满乐趣和想象力的优质数字内容。让包括家长和孩子在内的更多人可以在玩乐中学。
除了在亲子互动类功能游戏的大力投入外，腾讯也正积极参与到国际上将功能游戏运用于前沿探索的研发合作中，后续也将推出相关产品。
早在半年前，腾讯云已与美国华盛顿大学游戏科学中心展开合作，为其使用众包和分布式计算技术的DNA研究功能游戏提供技术支持。秉承“用互联网技术提升人类生活品质”的理念，未来，腾讯将在功能游戏领域投入更多的力量，以满足不同行业和人群的发展需求。
在这组新闻里，你看出什么东西了吗？
我有一种感觉：虽然游戏在如今总体还是个小众话题和小众娱乐，但在不远的未来，它可能会在我们的生活中承担更多的作用。

停!  我不想跟ET讲话，DNA双螺旋的碱基和糖基排序不同，不存在共同语言。

表再尝试发射各种花式电波了~~距离太远，功率不够，再爆力会烧机的。
建议去跟埃隆马斯科搞好关系，等Space X 的火箭返航时，跟各种土壤样本挤挤，一起飞回地球。